Anno: 2017

[av_heading tag=’h2′ padding=’10’ heading=’Rivoluzione Galileo: il genio si “mostra” a Padova’ color=” style=” custom_font=” size=” subheading_active=” subheading_size=’15’ custom_class=”][/av_heading]

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Una nuova mostra a Padova per raccontare il momento dell’invenzione della scienza moderna. Attraverso le vicende umane e professionali di Galileo Galilei (Pisa, 1564 – Arcetri, 1642) si evoca negli spazi del Monte di Pietà quel momento della storia in cui si sono gettati i fondamenti della modernità.

Una vera e propria “rivoluzione” che passa attraverso le scienze, le lettere e le arti.

Una storia da ricostruire con oggetti, libri, strumenti e opere d’arte per restituire tutte le sfaccettature della parabola galileiana.

Padova è principale teatro di questa rivoluzione, perché i “18 migliori anni” trascorsi in città (dal 1592 al 1610), grazie alla libertà dello Studio Patavino e alla tradizione scientifica, permettono a Galileo di gettare le basi per le future ricerche, dai moti lunari alla teorizzazione del cannocchiale, dagli studi sulle lune di Giove e le fasi di Venere alle macchie solari.

Il percorso di mostra si snoda tra un prima, fatto dalle fascinazioni mitologiche e astrologiche sull’universo, e un dopo, il cielo di Galileo, la scoperta della luna e del cielo stellato sopra di noi come inizio di una nuova era di osservazioni con fondamento scientifico.

Un passaggio epocale raccontato da un lato attraverso l’evoluzione della strumentazione scientifica esposta nelle sale – molta proveniente dal Museo di Storia della Fisica dell’Ateneo patavino –, dall’altro con il tramite della rappresentazione artistica. Si passa così dallo straordinario dipinto di Rubens (1635-1638, Museo del Prado) con una prosperosa figura femminile nell’atto di allattare a simboleggiare la nascita della via Lattea, alle due grandi tele di Guercino con Atlante che sostiene il globo celeste (1647, Firenze, Museo Mozzi Bardini) e l’Endimione addormentato (1647, Roma, Galleria Doria Pamphilji). Mentre Atlante è raffigurato secondo il mito che lo vede costretto da Zeus a sorreggere la volta celeste per l’eternità, Endimione mostra un dettaglio sorprendente: il cannocchiale di chiara fattura galileiana, a testimonianza che qualcosa è cambiato. Il giovane Endimione, innamorato della divinità lunare Selene, chiede ad Afrodite di poter cadere in un sonno perenne in modo da ricordare per sempre il bacio ricevuto, addormentato, dalla sua amata. Tradizionalmente Endimione è considerato il primo osservatore attento delle particolarità della luna, una figura che, simbolicamente, allude allo scienziato pisano: Galileo come moderno Endimione.

Ma ancora, la mostra permette di ripercorrere la vita di Galileo, dalla formazione medica alla passione per la musica e le arti. Nessuna qualità della sua multiforme personalità è tralasciata. Galileo è presentato come uomo di scienza, come musicista, letterato, imprenditore, amante dei vini e dei Colli Euganei, artista e critico d’arte. Non manca il racconto degli anni della disputa e della nascita del grande mito galileiano anche fuori dai confini italiani nel corso dell’Ottocento.

Calando il personaggio e le sue idee nello spirito dell’epoca in cui ha vissuto è possibile cogliere a pieno la portata delle sue idee che, con il tempo, hanno portato letteralmente l’uomo nello spazio. Ecco che allora dagli acquerelli lunari si salta alle suggestive immagini della NASA. A simboleggiare l’attualità della rivoluzione galileiana la mostra offre anche la personale interpretazione di artisti contemporanei, come Anish Kappor che, a inizio del percorso espositivo, cerca di intrappolare in un solido geometrico il vuoto.

Mostra a cura di Giovanni Carlo Federico Villa e Stefan Weppelmann.
Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio in collaborazione con l’Università di Padova.

Molti gli eventi collaterali e le conferenze che potete seguire qui: Rivoluzione Galileo.

Sorsi d’Arte vi porta in visita il 2 dicembre, non mancate! 😉
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[av_heading tag=’h2′ padding=’10’ heading=’“Artisti si nasce non si diventa”. Le Secessioni in mostra a Rovigo’ color=” style=” custom_font=” size=” subheading_active=” subheading_size=’15’ custom_class=”][/av_heading]

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Ha inaugurato a Rovigo la mostra “Le Secessioni Europee. Monaco Vienna Praga Roma. L’onda della modernità”, allestita negli spazi di Palazzo Roverella. Siamo state a vederla in anteprima per voi!

Promossa dalla Fondazione Cariparo e curata da Francesco Parisi, l’esposizione accoglie il visitatore trasportandolo nel pieno dei movimenti secessionisti tra Otto e Novecento, dal primo scoppiato a Monaco, passando per la Vienna di Klimt, giungendo a Praga e infine a Roma.

Per la prima volta si punta il focus su tutte le grandi capitali che hanno vissuto lo spirito secessionista europeo.

Non solo gli ori e le seduzioni di Klimt o i nudi di Schiele sono portati all’attenzione, ma protagonista è quell’ondata di modernità che ha travolto gli artisti di Monaco, Praga e Roma, attratti dalle inquietudini del moderno e dal desiderio di rottura con il passato.

Fascinoso il panorama che si dispiega tra le sale di Palazzo Roverella in un allestimento che permette di entrare di volta in volta nella temperie culturale che caratterizza ognuna delle capitali, facendo emergere affinità e differenze.

Attraverserete dunque il decorativismo viennese, sarete travolti dal visionario espressionismo dei praghesi di “Sursum” – opere, tra l’altro, che meritano da sole la visita, data la poca frequentazione nelle esposizioni italiane – sarete tentati dalle incursioni nell’onirico e nell’inconscio, sedotti dalla femminilità in tutte le sue forme.

Tra le opere incontrerete l’inquietante Lucifero di Franz von Stuck dalla National Gallery of Art di Sofia, in posa meditabonda, ripiegato su se stesso nell’oscurità, lo sguardo fiammeggiante e terrifico, oppure La fortuna del caso di Josef Váchal da Praga, pervasa da quell’interesse per il trascendente, la divinazione e l’oscuro tipico dei praghesi, o ancora Il Mattino di Arturo Noci, fondatore della Secessione romana e tra gli artisti più seducenti.

Nella possibilità di confronto e dialogo tra artisti e opere, la mostra porta in luce, pur nel pluralismo degli stili, quella tensione costante verso il cambiamento in un interscambio artistico che fu davvero europeo e che caratterizzò il clima della Secessione, distinto dal motto «artisti si nasce non si diventa»!

Venite a visitare la mostra insieme a noi domenica 26 novembre 😉
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[av_heading tag=’h1′ padding=’15’ heading=’Bruno Munari Aria | Terra’ color=” style=’blockquote modern-quote modern-centered’ custom_font=” size=” subheading_active=” subheading_size=’15’ custom_class=”][/av_heading]

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Una polarità. Da una parte l’aria, a evocare una leggerezza di tipo fisico e mentale sviluppata in una molteplicità di soluzioni: capolavori significativi dell’artista milanese accompagnati dai disegni progettuali che sono prova della poliedricità che caratterizza Bruno Munari (Milano, 1907-1998) pittore, scultore, designer, editore e molto altro. Dall’altra la terra: la leggerezza si tramuta in fare, in praticità e concretezza, ci si allontana dai limiti ristretti dell’arte fine a se stessa per far emergere il fine divulgativo dell’opera d’arte, tradotto visivamente in opere appartenenti al design al servizio della quotidianità, ma anche all’ambito della progettazione esperienziale che mira a stimolare il pieno sviluppo della creatività.

Un percorso davvero originale quello allestito a Palazzo Pretorio a Cittadella: quattro ambienti dove si alternano stanze “contemplative”, nelle quali è possibile indagare gli aspetti che maggiormente mettono in evidenza l’ecletticità dell’arte di Munari, a stanze “del fare”, dove il visitatore può mettersi alla prova, toccare con mano, imparare, scoprire, dare libero sfogo alla propria creatività. Ognuno di noi infatti, grande o piccolo, possiede una creatività che deve solamente essere sollecitata. Munari è infatti un convinto sostenitore di un’arte che deve interagire con il pubblico, creare relazioni, essere uno stimolo appunto al fare e al comprendere le regole e i procedimenti che conducono alla creazione delle opere. Per questo motivo le stanze del fare sono parte integrante dell’opera e progettate dall’artista stesso, e la mostra si pone come conferma del ruolo di Munari come apripista, da un punto di vista storico-critico, rispetto a una ridefinizione del concetto di arte come stimolo all’azione.
La mostra (9 aprile – 5 novembre), curata dal professor Guido Bartorelli, è promossa dalla Fondazione Palazzo Pretorio Onlus in collaborazione con il Dipartimento dei Beni Culturali dell’Università degli Studi di Padova e l’Associazione Bruno Munari.

Sorsi d’Arte vi accompagna domenica 24 settembre a scoprire l’arte di Munari con una guida d’eccezione, il curatore Guido Bartorelli. Per conoscere i dettagli della visita rimandiamo al link.
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IL PROGETTO

La mostra “Treasures from the Wreck of the Unbelievable” è un viaggio indietro nel tempo, o più semplicemente nel tempo, alla scoperta di un tesoro e di colui che tra la metà del I e l’inizio del II secolo d.C. l’ha creato: Cif Amotan II, un liberto di Antiochia, l’antica Turchia. Deciso a fuggire insieme alla sua collezione Amotan salpa con l’Apistos, l’“Incredibile” vascello, verso l’Oriente più lontano per edificare un tempio dedicato al Sole. Per ragioni a noi sconosciute l’Apistos si inabissa per sempre nelle acque dell’Oceano Indiano che per duemila anni conserveranno i preziosi tesori contenuti nell’Incredibile.

Parliamo di una leggenda? Di un racconto? Di un “fake”? Le ipotesi possono essere più di una. Damien Hirst, l’artista inglese famoso per le sue opere di forte carattere provocatorio, non dà spiegazioni ma racconta la storia nella speranza che tutti credano o vogliano credere a questo magico racconto.

Anche in questo progetto, senz’altro qualcosa di nuovo e di diverso, forse addirittura inaspettato rispetto a quello a cui ci ha abituati, emerge tutta la sua singolarità dell’artista.

LA SEDE ESPOSITIVA E LE OPERE ESPOSTE

Non poteva che essere Venezia, città di mare per eccellenza, famosa per i suoi commerci tra Oriente e Occidente, il luogo giusto per ospitare la mostra dei tesori della famosa collezione. E la scelta non poteva ricadere che su Punta della Dogana e Palazzo Grassi, due location perfette per esporre queste preziose opere: la prima, situata sulla punta dell’isola di Dorsoduro, circondata dal mare quasi come fosse essa stessa una nave; il secondo in qualità di dimora di ricchi mercanti. Nulla è lasciato al caso.

Il “viaggio” potrebbe iniziare a Punta della Dogana dove è esposto il numero più consistente dei tesori che Amotan raccolse durante i suoi viaggi commerciali intrapresi in giro per il mondo. Ecco che, come prima opera, incontriamo una “Calendar Stone”, una pietra calendario che veniva utilizzata dagli antichi Aztechi e Maya per predire eventi catastrofici e che ci invita a viaggiare attraverso il  tempo. Il viaggio va dalla Mesoamerica alla civiltà greca e romana e a quella mesopotamica ed egizia, un excursus nell’antichità attraverso i suoi tesori per comprendere, forse, anche il nostro presente.

Ma è proprio questo il messaggio che Damien Hirst vuole veicolare attraverso questo progetto? Non è detto, o almeno non è l’unico messaggio che l’ex infant terrible degli Young British Artist vorrebbe comunicare. Anche se sappiamo che Hirst non crede ai messaggi.

Il percorso prosegue a Palazzo Grassi dove ci accoglie un allestimento più intimo, più raccolto, che ricorda quasi una Wunderkammern, la famosa stanza delle meraviglie, scrigno di tesori e di ogni oggetto dello scibile, che tanto incantava i principi e i signori durante il Rinascimento per soddisfare il loro sapere enciclopedico.

Un’opera di forte impatto emotivo per la sua bellezza è Reclining Woman, una donna scolpita nel marmo rosa, elegantemente distesa su un divano. Oltre alla sapienza creativa degli antichi greci essa ricorda le tombe etrusche che nella loro ricchezza artistica hanno preceduto l’arte greca e romana.

Si racconta che nel mondo greco-romano le statue femminili, intrise di realismo e pertanto vicine alla realtà, suscitassero nelle persone che le ammiravano amore e brama, sfumando la distinzione tra arte e vita reale. Un po’ come Policleto che per redigere il suo famoso “Canone” sulle proporzioni dell’anatomia umana teorizzò i temi della bellezza e dell’armonia misurando degli individui reali per la ricerca delle proporzioni.

Nell’atrio di Palazzo Grassi c’è una statua gigante a darci il benvenuto, Demon with a Bolwe, un demone  mesopotamico al tempo stesso benefico e malefico che abitava il regno intermedio tra l’uomo, l’animale e il divino. Un oggetto molto particolare è poi l’Hands in Prayer, la rappresentazione di due mani in segno di preghiera poste come ultimo tesoro esposto in mostra. Un’opera in malachite e agata bianca che sembra rappresentare un segno di congedo al visitatore, dopo l’intero  percorso esistenziale-allestitivo. Forse un augurio che si fa Hirst nei confronti dei suoi ospiti che possano credere in qualcosa, alla leggenda di Amotan, o nella vita e in se stessi.

Come giudicare questa mostra? La critica si è divisa come d’abitudine, tra chi non vi vede nulla di originale e chi invece trova nel racconto e nella realizzazione delle opere l’Arte che aiuta nella comprensione della vita e di noi stessi.

Vi invitiamo pertanto a visitarla insieme a Sorsi d’Arte per individuare le possibili chiavi di lettura!
Come sempre, ai visitatori l’ardua sentenza.

Info
9 aprile – 3 dicembre
Palazzo Grassi, Punta della Dogana, Venezia
Orario 10.00-19.00; chiuso martedì